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Aceprensa - 09.01.2019

 

 

Título original: The Two Popes. Actores: Anthony Hopkins, Cristina Banegas, Federico Torre, Jonathan Pryce, Juan Minujín, Luis Gnecco, María Ucedo, Pablo Trimarch., Sidney Cole, Thomas D Williams. Duración: 126 min. Clasificación: Jóvenes-adultos. Productora: Netflix

 

Análisis por Ana Sánchez de la Nieta de Aceprensa

 

Para analizar esta película, compleja e interesante donde las haya –lo voy adelantando–, es interesante conocer el contexto donde surge.

 

El guion es de Anthony McCarten (La teoría del todo, El instante más oscuro), que adapta su propio ensayo biográfico sobre los paralelismos y diferencias entre Benedicto XVI y Francisco. Un libro, por cierto, bastante duro especialmente en relación con Benedicto. McCarten explica con claridad su postura en el prólogo del libro: educado en una familia numerosa y católica de raíces irlandesas, McCarten no disimula su frustración por una Iglesia que sigue defendiendo una moral sexual que le parece absolutamente trasnochada y suspira por una Iglesia que se adecúe a los tiempos.

 

Por otra parte, dirige la película Fernando Meirelles (Ciudad de Dios). El cineasta brasileño también nació católico y también se siente alejado de la fe. Sin embargo, reconoce que desde el principio del pontificado, le impactó mucho la figura de Francisco y confiesa que leer la encíclica Laudatio si’ fue para él un descubrimiento.

 

Lo que Meirelles y McCarten nos cuentan es la relación de dos Papas que para ellos representan las dos caras de la Iglesia: la conservadora, hermética y alejada, y la progresista, abierta y cercana. Hasta aquí, la película sigue la narrativa de los medios al milímetro. Nada nuevo bajo el sol.

 

Lo sorprendente es que, partiendo de un esquema tan rígido y convencional que lleva a un inicio de sonrojante maniqueísmo y a un retrato de Benedicto bastante injusto, poco a poco la película vaya evolucionando hacia una historia humana, emotiva y valiosa para el espectador. Es como si, después de plantear la premisa ideológica, la realidad de los personajes y de los hechos fuera cogiendo fuerza, conquistando campo y terminara por hacer saltar las costuras de la impostada narrativa de la confrontación.

 

En este sentido, Meirelles señala dos temas interesantes: por una parte, reconoce que, cuando investigó sobre la vida de Benedicto, empezó a entenderle mucho mejor: “Creo que muchas críticas son injustas; es un hombre tímido, reservado, pero en sus ideas no es tan distante a Francisco; tiene discursos y escritos sobre la pobreza o la inclusión que nadie conoce”. Por otra parte, el cineasta brasileño confiesa que su película habla de tolerancia: “Estamos en una sociedad absolutamente polarizada y yo quería hablar de dos hombres que, pese a sus diferencias, se quieren, se respetan, dialogan, tienen puentes. Mi película habla de eso y del perdón. Hay personas cerradas al perdón, que no quieren entender que puede haber fallos en las biografías de los hombres, que no quieren entender el contexto en el que las cosas ocurren”.

 

La película habla también, y mucho, sobre la Providencia de Dios, y, en ese sentido, es muy llamativo como el guion vuelve una y otra vez a llevar a los dos protagonistas ante la voluntad de Dios, no ante una disyuntiva de poder o influencia.

 

El “problema” –si es que puede hablarse de problema– es que la película mezcla realidad con ficción, hechos reales con fantasía (de hecho, el arranque argumental es ficticio), y un espectador poco conocedor de la biografía de los dos Papas puede acabar confundiendo declaraciones con intenciones y hechos con invenciones. Aunque este problema se soluciona leyendo, y afortunadamente hay abundante bibliografía sobre los dos Papas para rellenar lagunas. Una lectura además que se hace muy atractiva después de ver la película.

 

La nominación a los Globos de Oro se entiende estupendamente. Dos grandes actores, impagables momentos de humor, un montaje muy original y un final redondo.

 

Por Ana Sánchez de la Nieta @AnaSanchezNieta

 

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LaFamilia.info - 30.08.2019

 

 

 

Título original: Once Upon a Time in Hollywood. Director: Quentin Tarantino. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Al Pacino, Kurt Russell, Bruce Dern, Margaret Qualley, Dakota Fanning. Duración: 160 min. Clasificación: Adultos. 

 

Sinopsis

 

"Había una vez en Hollywood" de Quentin Tarantino se sitúa en Los Ángeles de 1969 donde todo está cambiando, mientras el actor de televisión Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y su doble Cliff Booth (Brad Pitt) se abren paso en una industria que apenas reconocen. La novena película del escritor-director presenta un gran reparto y múltiples historias en un homenaje a los últimos momentos de la edad de oro de Hollywood.

 

Análisis por Carmen Azpurgua de Aceprensa

 

Violencia, música y referencias cinematográficas: una vez más, Quentin Tarantino; su estilo es pura historia del cine contemporáneo y solo por eso merece la pena ser visto, porque es Tarantino.

 

Sin embargo, Había una vez en… Hollywood no es ni de lejos de las mejores películas del cineasta. En esta ocasión, la trama se centra en el Hollywood de finales de los sesenta y está protagonizada por Leonardo DiCaprio y Brad Pitt, que encarnan, en formato buddy movie, a un actor de westerns televisivos y a su doble y mejor amigo.

 

Durante más de dos horas y media asistimos a una recreación perfecta de la época, a toda una lección de historia audiovisual: las series, las películas, los actores y cantantes míticos, los temas musicales, los productos de consumo y las noticias de Hollywood que conmocionaron al mundo, como el asesinato de la actriz Sharon Tate, mujer de Roman Polanski, a manos de los miembros de la “familia Manson”.

 

Esa torrencial lluvia de referencias será un divertimento seguro para los cinéfilos y sin duda también para los que eran jóvenes en los 70; pero aportará poco o nada al público general. Esto no hubiera sido un problema de haber tenido una buena historia entre manos, pero –y este es el mayor problema de la cinta– la trama es sorprendentemente lineal y plana, y no consigue levantar el vuelo prácticamente en ningún momento: le falta el ingenio que el director ha derrochado en otras ocasiones.

 

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LaFamilia.info - 15.07.2019

 

 

 

Título original: Spider-Man: Far From Home. Director: Jon Watts. Guión: Chris McKenna, Erik Sommers (basado en el cómic de Stan Lee y Stev Ditko).  Intérpretes: Tom Holland, Marisa Tomei, Zendaya, Jake Gyllenhaal, Samuel L. Jackson, Cobie Smulders. Duración: 129 min. Clasificación: 7 años en adelante 

 

Reseña

 

Luego de los eventos de Avengers: Endgame, Spider Man debe enfrentarsea las nuevas amenazas de un mundo que ha cambiado para siempre.

 

Análisis por JAUME FIGA I VAELLO de Aceprensa 

 

A la historia le cuesta arrancar. Pero, después de un giro –esperado, sí–, toma un brío y unos colores espectaculares, que te dejan clavado en la butaca hasta el final. Volando por distintos países de Europa –al estilo de las mejores películas de espías, como la saga de James Bond o la de Misión: Imposible–, y con un tono de comedia estudiantil que le da unos momentos simpáticos y frescos, marca de la casa y, especialmente, de las películas del arácnido.

 

Eso sí; sin alejarse de lo importante. Por ello, el guion fija el punto de vista en el dilema moral de Parker sobre qué decisión tomar. De este modo, los secundarios están bien dibujados, al servicio de esta cuestión. No en vano, tanto Spider-Man como Iron Man son los personajes de Marvel que más éxito tienen, porque, además de superhéroes, son muy humanos. Eso les hace grandes.

 

Y el director y los guionistas lo saben. Juegan con la baza, además, como mencionaba al principio, de que el espectador ya ha visto “el pasado” y pueden marcar muy bien este proceso de maduración del protagonista.

 

Por otro lado, pienso que merece la pena destacar, una vez más, la banda sonora de Michael Giacchino, habitual de Pixar (Los Increíbles 2, Coco, Up…) que también ha trabajado para otras grandes producciones como Rogue One, o Misión: Imposible – Protocolo Fantasma, por mencionar algunas.

 

Spider-Man: Lejos de casa da el paso a la “fase 4” del Universo Marvel. Para ver por dónde pueden ir los tiros es importante no levantarse de la butaca hasta el último crédito.

 

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LaFamilia.info - 26.07.2019

 

 

Título original: The Lion King. Director: Jon Favreau. Intérpretes (voces originales): Donald Glover, James Earl Jones, John Oliver, Seth Rogen, Billy Eichner, JD McCrary, Beyoncé. Duración: 118 min. Clasificación: Todos. 

 

Reseña

 

La nueva versión de acción real de EL REY LEÓN de Disney, del director Jon Favreau, nos lleva a la sabana africana donde un futuro rey ha nacido. Simba idolatra a su padre, el rey Mufasa, y está entusiasmado con su destino real. Pero no todos en el reino celebran la llegada del nuevo cachorro. Scar, el hermano de Mufasa y antiguo heredero al trono, tiene sus propios planes. La batalla de Pride Rock se ve teñida de traición, tragedia y drama, y acaba forzando a Simba al exilio. Con la ayuda de una curiosa pareja de amigos nuevos, Simba tendrá que arreglárselas para crecer y recuperar lo que legítimamente le corresponde. 

 

Análisis por José María Aresté de Aceprensa

 

Scar, hermano del rey león Mufasa, no ve con buenos ojos la presentación en Pride Rock, ante el resto de animales, de Simba, cachorro que un día accederá al trono. Pero ve su oportunidad de usurpar el poder, permitiendo la muerte de Mufasa, y haciendo que Simba se sienta culpable y se exilie.

 

Este conocerá entonces la filosofía de restar importancia a las cosas: hakuna matata, gracias a sus nuevos amigos Timón y Pumba. Pero ello le hace eludir sus responsabilidades, que finalmente debe afrontar; el “ciclo de la vida” sigue.

 

Disney sigue empeñado en rehacer sus clásicos animados con actores de carne y hueso, o con técnicas digitales fotorrealistas, que permiten crear animales que parecen de verdad. Lo hizo Jon Favreau en El libro de la selva, y repite faena en la nueva versión de El Rey León. Y sigue funcionando a la perfección la trama de resonancias shakespearianas, aunque no deja de resultar chocante que se atribuya el guion a Jeff Nathanson, que nada tuvo que ver con el original, donde llegaron a estar acreditadas más de una veintena de personas.

 

¿Pegas? La escasa capacidad de riesgo, pues se repite casi al milímetro el esquema existente, incluida la estupenda partitura de Hans Zimmer y canciones de Elton John. Sí, la cinta animada estaba muy lograda, y podría uno pensar que “los experimentos, con gaseosa”; pero es que no hay ni un atisbo de probar algo distinto: impera la idea de que bastante se hace mostrando animales tan convincentes (lo que curiosamente, no es del todo cierto, al menos en el arranque, donde se nota el pincel digital).

 

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LaFamilia.info - 27.06.2019

 

 

 

Título original: Toy Story 4. Guión: John Lasseter, Andrew Stanton, Josh Cooley, Stephany Folsom y otros. Intérpretes (voces): Keanu Reeves, Christina Hendricks, Tom Hanks, Jordan Peele, Patricia Arquette. Duración: 100 min. Clasificación: Todos.  

 

Sinopsis 

 

Woody siempre ha estado seguro acerca de su lugar en el mundo, y que su prioridad es cuidar a su niño, ya sea Andy o Bonnie. Pero cuando Bonnie suma un reacio nuevo juguete a su cuarto, llamado Forky, un viaje junto con los viejos y nuevos amigos le enseñará a Woody cuán grande puede ser el mundo para un juguete.

 

Análisis por José M. García de Aceprensa

 

Con Toy Story comenzó en 1995 un nuevo capítulo en la historia moderna del cine. El primer largometraje completamente animado dirigido por John Lasseter supuso el inicio de una historia de éxitos: 20 títulos, precedidos por otros tantos cortos, que han ido elevando el listón de la animación conforme iban estrenándose.

 

Una vez más, la animación supera el listón que Pixar mismo había puesto: por ejemplo, cuando, al comienzo de la película, un coche con mando a distancia se defiende con todas sus fuerzas de ser arrastrado por el barro y las hojas; la escena no solo rezuma dramatismo sino que sorprende por su brillantez visual. Pero el verdadero fuerte de la película, como es la tónica general en Pixar, reside en las figuras, que pueden ser aparentemente muy sencillas como Forky, que la nueva propietaria de los juguetes, Bonnie, ha hecho con un simple tenedor de plástico y un limpiador de pipas. Forky, sin embargo, sufre una crisis de identidad, pues no se considera un juguete, sino basura, por lo que Woody se verá impelido a convencerle del verdadero fin para el que le ha hecho Bonnie.

 

Otra de las figuras nuevas es una antigua muñeca, Gabby Gabby, que sufre por haber quedado relegada a una tienda de antigüedades, donde nadie le hace caso. Gabby Gabby recuerda en su amargura al oso de peluche Lotso de Toy Story 3; pero mientras que Lotso se deja someter por la desesperación, Gabby es un personaje mucho más ambiguo, que no ha perdido aún toda esperanza. Toy Story 4 está lleno de extraordinarios personajes secundarios; así, el motorista canadiense Duke Caboom, desdeñado desde hace mucho tiempo, pero que tendrá una segunda oportunidad.

 

Aunque en algunas situaciones, Toy Story 4 recuerde a Toy Story 3, los guionistas –entre ellos, John Lasseter y Andrew Stanton– y el director Josh Cooley, dan otra vuelta de tuerca: gracias a sus complejos personajes, construyen una nueva joya que no solo deleita por su animación llena de ritmo y de humor, sino que trata complejos temas filosóficos-religiosos: el amor, la amistad, y la búsqueda de la felicidad en el cumplimiento del propio fin y en el sacrificio para lograr la dicha de los demás.

 

 

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